ENTREVISTAS

EMILIO SUBIRÁ, O EL ARTE PERTURBADOR DE SICKEMIL by LIT AR CO
(link de la web con la entrevista original)

Fue mi gran descubrimiento en las habitaciones de la ROOM ART FAIR #2. Su nombre: Emilio Subirá. Su yo artístico: Sickemil. Su vida: pintura, escultura y algo de ilustración. Visité, creo recordar, unas tres o cuatro veces la galería-habitación donde exponía, la Art Deal Project, y se me escapó de las manos una obra para la que había decidido echar mano de mis ahorros. Otra vez será. Pero sus figuras retorcidas y descompuestas, el color que se derramaba y las superficies que parecían pudrirse, me impresionaron tanto que en cuanto volví a casa me puse en contacto con él.

Y fue al observar el resto de su obra, al ver como explica la sociedad y así mismo, que pasa a ser de mis predilectos, y aquí os dejo, tal y como él me contó, sin cambiar ni una sola coma, todo aquello que yo deseaba saber.

– “Your disease is my art” ¿Qué te interesa de la enfermedad, de la naúsea?
Mi visión artística es el afán por hacer lo que yo llamo “filosofía plástica”, plantear ideas cuestionadoras sobre nuestro mundo a través de un lenguaje más amplio y abierto que el de las palabras, un lenguaje dirigido a lo no racional , algo así como metáforas intuitivas, transcripciones de lo indescriptible a través de la imagen, el símbolo, lo expresionista y el uso del humor irónico y la sátira. No se trata de que es lo que me interesa de la enfermedad, pues yo considero que la enfermedad (que conduce a esa nausea existencial) es inherente a la condición humana y por lo tanto ineludible, está en la esencia de todo, es la contradicción que reside en la vida y en lo que llamamos “conciencia” o “raciocinio” en un mundo salvaje, ignoto y crudo por naturaleza, donde la percepción completa es inaprensible. Por lo tanto todo convive en la “enfermedad ” de una manera o de otra, en la guerra de lo ambiguo y lo relativo, en el eterno conflicto entre el animal instintivo y el ser de la razón.

– ¿Crees que el ser humano está enfermo? ¿O que la sociedad hace que lo esté?
La sociedad en la que vivimos es producto del ser humano y nos hemos dejado todo nuestros esfuerzos en crear un monstruo que se muerde la cola. Ese monstruo hace tiempo que escapó a nuestro control, pero fue la identidad humana, con todos sus defectos y a pesar de sus virtudes, quien le abrió la puerta de la jaula. La enfermedad reside en esa tendencia irrefrenable hacia el absurdo de un paradójico ser racional, cuando la propia razón no está preparada para este mundo, y la contrariedad que esto supone.

– ¿Cómo hablas de todo esto en tu arte?
Bueno, supongo que intento sintetizar ciertas reflexiones vagas en imágenes con cierta simbología o de algún modo metafóricas. Hago mucho hincapié en el tema de la cabeza como centro donde todo ocurre, donde las dispersas nociones perceptibles de la realidad se recomponen al antojo del ego. Me gusta simbolizar esto a través del color y el trazo sobre todo en mis pinturas, creando cabezas volubles e inestables y a menudo tanto en dibujos como en esculturas o pinturas el tamaño de la cabeza suele ser desproporcionadamente grande. Casi siempre suelo crear en mis obras un personaje y “su circunstancia” e intento crear a través de él una imagen o situación escultórica que resulte un poco enigmática y desconcertante, a menudo pretendo hacer uso de un sentido del humor irónico o satírico ridiculizando lo que yo considero como comportamientos absurdos de origen social.

– ¿Qué opinión te merece el “buen gusto”?
No existe, es un concepto relativo y en constante cambio, se hereda o se crea, no es importante. El buen arte no debe preocuparse de temas como “el buen gusto”, El buen arte debe servir siempre al espíritu humano y su objetivo debe ser hacerle “tomar conciencia”, inspirarle a ser más digno y mejor, cuestionar y poner en evidencia a todo lo que sea enemigo de la libertad del espíritu. ¿qué más da todo lo demás?

– ¿Tus figuras son perturbadoras. ¿Qué reacción buscas en el espectador?
Si una de mis obras incita a alguien a cierta meditación, despierta en alguien alguna reflexión, excita la imaginación del espectador conduciéndole a una visión más abierta o simplemente a un momento de inspiración, me daré por satisfecho. Cuando me planteé mi línea de trabajo solo me hice una pregunta: ¿qué es lo que me gustaría a mí ver cuando voy a una exposición? Pues bien, eso es lo que intento hacer, crear esas obras. Luego simplemente confío en que mi sensibilidad este acorde con la de alguna de la gente que convive en mi mismo tiempo.

– ¿Te sirven estas creaciones para volcar tus propios demonios?
Siempre pretendo ser un poco general en mi discurso y no centrarme en cuestiones personales pero esta claro que el filtro soy yo, así que no puedo ser parcial en absoluto. Es inevitable usar la creación artística como terapia en cierta manera, como un modo de explicarse el mundo a uno mismo o como forma de desahogo ante las frustraciones y contradicciones de la existencia sobre todo cuando trabajas con tus propias manos tus propias obras. Cuando uno está trabajando, en tu cabeza se está repitiendo un mensaje una y otra vez, como si hablaras a una gran multitud y la mano lo transforma, y el conocimiento y la razón, pero también la intuición, lo moldean. Y en realidad es un mensaje que uno se repite uno a uno mismo y que apuntas para que no se te olvide en forma de obra. La obra es un testimonio, como una pieza de un gran puzzle y el momento de creación siempre es un momento de meditación.

– Me gustan especialmente tus esculturas. Me gustaría saber cómo es todo el proceso creativo: de dónde surge la idea, cómo le vas dando forma, por qué técnica te decides, cuánto tiempo te lleva…
Primero tengo la idea y luego pienso como voy a resolverla, así que siempre supedito el material a la idea y no suelo hacerlo al revés, haciendo uso sin escrúpulos de todo lo que vaya necesitando para llegar al fin requerido por lo que siempre acabo con esculturas de técnica mixta compuestas de muchos materiales diferentes.
Mi técnica favorita siempre es la más inmediata posible, tanto en pintura como en escultura no me gustan las técnicas demasiado procesuales o que requieran demasiado uso de herramientas. Por lo tanto siempre me decanto por la construcción, el ensamblaje y el modelado directo en lo que se refiere a escultura, aunque también a veces hago uso de moldes, pero intento evitarlo en lo posible, me gusta tener un contacto y control directo sobre lo que hago.
Últimamente estoy muy centrado en el modelado con masilla epoxi, es una técnica poco común pero que se adapta muy bien a mi gusto por lo inmediato y es perfecta para combinar con otros materiales.
Por lo general una obra siempre nace de una idea germen que es concisa en cuanto a lo que se busca expresar pero algo abstracta en la definición final. Por ello uno nunca sabe como va a acabar una pieza y esto es precisamente lo esencial y lo grandioso, adaptarse a los problemas que te van surgiendo, ir construyendo sobre la marcha según las demandas que va dictando la propia obra para finalmente sorprenderse uno mismo con el resultado dejándose llevar durante todo el proceso sin saber muy bien como va a acabar la cosa.

“Desde pequeño ya mis pasos iban muy encaminados a dedicarme a algo de carácter creativo, se me daba bien el dibujo y la plastilina y siempre andaba inventando cosas. Mis padres continuamente destacaban esto de mí así que siempre pensé que esto era lo que tenía que hacer. Al principio dibujaba personajes muy locos y absurdos que ocasionalmente acababan como protagonistas de algún intento de cómic. El lenguaje expresivo del cómic llamaba mucho mi atención y aún soy muy fanático de autores de novelas gráficas afines a mi visión personal, pero rápidamente me di cuenta que mis ideas demandaban un medio más directo, abierto y codificado, la narrativa escapaba un poco a mi interés (aunque publicar alguna vez mi propio cómic es uno de mis sueños). Por otro lado, desde muy pequeño siempre he sido un preguntón ¿y esto porque es así? ¿y esto porque TIENE que ser así? Es mi otra gran vocación, la filosofía. Vi claro que todo esto lo podía conjugar a través del arte de una manera muy natural y lógica.

Así que con este panorama decidí dedicarme a la práctica artística profesional y vocacionalmente y joven e ingenuo me matriculé en la carrera de Bellas Artes. Poco bueno puedo decir de aquel antro mediocre de decadencia y endogamia salvo que allí conocí a Rafael Jurado, artista compañero de clase con quien formé una hermandad. Rafael coincidía en mi forma de ver y entender el mundo y al igual que yo es un amante de la filosofía existencialista por lo que ambos nos retroalimentábamos en ideas y conceptos hasta el punto que decidimos unir fuerzas para crear y exponer emprendiendo camino juntos como colectivo (desde el 2000 hasta hoy, Sickstudio, http://www.000sick.com).

En mi estudio de Sevilla donde todavía vivo y trabajo, nos reuníamos Rafa y yo para trabajar y trazar planes artísticos todas las tardes cuando salíamos de la facultad. Juntos escribíamos ensayos y locuras, compartíamos teorías artísticas y estéticas, pintábamos mano a mano, aprendiendo el uno del otro y teníamos largas e irrepetibles charlas.

Todo mi aprendizaje se lo debo a aquellas tardes de trabajar y compartir con mi colega Rafa y a poco más.
Por otro lado la mentira del falso bienestar y la “peculiar” idiosincrasia de la sociedad tipical spanish (de la cual ahora sufrimos las consecuencias) así como la fantasía transportada a través de rallos catódicos, promesa incumplida de un futuro esplendoroso en los años 80 en los que me crié, cuentan también como maestro e inspiración y son agridulce circunstancia conformadora de mi perfil como artista. Desengaño y fantasía.

En cuanto a mis referentes artísticos la lista puede ser muy larga, hay muchísimos artistas a los que me siento afín y cuyo trabajo admiro, pero no acabaríamos nunca. Entre otros: James Ensor, Munch, Goya, Jean Michelle Basquiat, Antonio Saura, Francis Bacon, Tápies, Robert Rauchemberg, Jake & Dinos Chapman, Max Ernst, Suehiro Maruo, Juan Muñoz, Charles burns, Robert crumb, Daniel Cloves, Masamune Shirow, Louise Bourgeois, etc, etc, etc… ”

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ENTREVISTA A EMILIO SUBIRÁ by ENVASARTE
(link de la web con la entrevista original)

Emilio Subirá es de estos artistas que “te vuelven del revés”…. sus obras penetran en la retina y se alojan en la mente sin pudor ninguno. Joven artista multidisciplinar no sólo en el mundo plástico, a través de la ilustración, de la pintura, la escultura.. sino que sus posibilidades creativas abarcan también el mundo del patinaje. La psique, lo ambiguo, lo contradictorio, lo grotesco y lo sublime del ser humano.. de todo eso parece que este artista sevillano quiera hablarnos; de ese eterno conflicto que nos envuelve a cada uno de nosotros, pues no hay meta más compleja que conocerse a uno mismo.
Hemos tenido la oportunidad de pasar un buen rato con él y poder ver su forma de trabajar, les dejamos con la entrevista que nos concedió en su momento, sentimos la espera, pero ha merecido la pena.

1. En primer lugar hablemos un poco de sus inicios en el mundo del arte…

Empecé como muchos jugando con la plastilina y garabateando en el cuaderno durante las clases en la escuela. Más adelante me interesé por el mundo del cómic y empece ha dibujar mis propias historietas, creando personajes siempre muy locos en la linea del humor absurdo. Más adelante, al entrar en la universidad, conocí a mi colega de andanzas artisticas, Rafael Jurado, con el que empecé a tomarme en serio mi carrera como artista plástico, compartiendo ideas y visiones, dandole forma a nuestra filosofía, tramando exposiciones y autoeditando nuestras propias publicaciones. Entre los dos fuimos desetrañando las ideas que son la base de mi trabajo y el suyo hoy en día. A partir de aquí fuimos trabajando, siempre de forma independiente, bajo el nombre de SICKESTUDIO operando desde internet a través de http://www.000sick.com desde donde damos a conocer nuestra obra y proyectos.

2. Después de haber navegado por su página web hemos observado que es un artista multidisciplinar, pero ¿con qué forma de expresión plástica se siente más cómodo?

En terminos de comodidad supongo que me siento más comodo con el medio tridimensional, me resulta más fácil visualizar la idea y más rápido llegar a un resultado satisfactorio mediante este medio. Lo plano sin embargo siempre me ha dado más dolores de cabeza por una cuestión puramente conceptual. A la hora de plantear una pintura o un dibujo necesito una idea que se justifique como obra sobre medio plano, es decir para mi una pintura es trazo, es color, es composición bidimensional, es mancha, es fluido y es etereidad, por eso, tengo que asegurarme de que lo que pinto es justificable como pintura y solo pintura y que no podría ser mejor una escultura. La escultura es realidad, la pintura es más como una ilusión creada con unos medios específicos que requieren una razón de ser más justificada.
Esto hace por otro lado que me encante cada vez más el medio plano, por las comeduras de cabeza que me plantea.

3. En su iconografía, sobre todo en su producción escultórica, vemos redundantes referencias políticas y religiosas, ¿podría hablarnos un poco del mensaje de tus obras?

Mis obras siempre suelen tratar o estar inspiradas en las paradojas que pueblan la naturaleza humana, paradojas derivadas de la extremada complejidad a todos los niveles de nuestra especie y el absurdo existencial en que se enmarcan y que a su vez alimentan. Desde este punto de vista, la política y la religión dogmatizada representan una lucha viva en si misma de paradoja y contradicción constante; La espiritualidad mal entendida, la libertad mal entendida, el bienestar mal entendido, el progreso mal entendido y suma y sigue. Mi metodológia consiste en buscar dichas paradojas y otorgarles una imagen metafórica a menudo en tono de humor satírico o irónico. Por otro lado, nunca pretendo dar una opinión política, mi discurso es la liberación personal y la idea de que deberiamos ser más humildes, no dar nunca nada por sentado y cuestionarlo todo.
Una quimera.

4. ¿Por qué caras-lienzo? ¿A qué se debe la utilización constante de monstruos en sus obras?

Tanto las caras lienzo como los dibujos o pinturas donde los personajes tienen esas cabezas amorfas, movidas y llena de trazos expresivos y a veces volatiles funcionan para mi como “la pintura como metafora en si misma” representando a traves de esta metafora “la mente” como configuraciones de tonos, trazos y formas cambiantes que determinan infinidad de posibilidades y que lejos de ser inmutables, están de hecho en constante cambio y movimiento. Al igual que una melodía se compone de notas, y son estas notas, tiempos e instrumento con que se toque lo que determina el resultado, asi es la mente humana en mi metafora; un conjunto de tonos, trazos y formas (ideas, sentimientos, cultura, educación, humor cambiante y factores externos de todo tipo entre otras cosas) que determinan una opcion entre infinidad de posibilidades. Y cada individuo a su vez es la pincelada de una gran pintura llamada sociedad. Y así cada pincelada determina el resultado en una dirección o en otra de una pintura, lo que resulta un símil perfecto.
En el caso particular de las esculturas con cabeza de lienzo intento poner en relieve una convulsa relidad mental subyacente en el individuo y contrastar lo puramente psicologico con lo fisico y lo material, en definitiva, la dualidad de la existencia. Los hombres somos como lienzos en blanco pintados por la experiencia, la educación, la cultura, las circunstacias, etc, etc, etc.
Contenido y continente.
Explicado esto, tengo que decir que no existe para mi la utilización intencionada de “monstruos”, se trata simplemente de expresionismo. Es decir, esos “monstruos” no son más que una representación exacerbada de la extrañeza, locura, angustia, absurdo, estupidez, contrariedad, ect viviente en lo más profundo del engendro social doméstico, a veces un grito primigenio o existencial otras una intolerable fribolidad. No son por lo tanto monstruos sino mis particulares estereotipos humanos.

5. Tras observar detenidamente su obra pictórica principalmente vemos influencias iconográficas de Bacon, Basquiat y sobre todo del arte urbano de los 90, pero ¿qué nos puede decir usted de sus referencias artísticas?

Mi primer maestro, como ya comenté antes, es el mundo del cómic tan injustamente menospreciado a veces. Toda mi expresividad, mi visión estética y mi sentido del absurdo proceden directamente de mi infancia y a mi me gusta ser fiel a eso. Después una cosa lleva a la otra y empiezas a conocer cientos de obras de artistas con los que sientes una empatía ya sea en el contenido de lo que expresan como en la forma de hacerlo. Has mencionado a grandes nombres para mi como Bacon y Basquiat, pero también podemos hablar de artistas como Goya, Antonio Saura, Juan Muñoz, Charles Burns, Robert Crumb, Jake & Dinos chapman, louise bourgeois, Banksy… y así podría llevarme todo el día. Son gente que te llega porque, ya sea de una forma u otra, compartes alguna visión común con ellos.
Por otro lado yo me he criado en un skatepark, como aquel que dice, así que todo lo urbano me es también más que cercano, aunque nunca he pintado un graffitti, la referencia y el sentimiento de perro callejero está ahí conmigo.

6. ¿Se dedica exclusivamente al arte o tiene otras actividades profesionales adyacentes?

En la actualidad a parte de trabajos esporádicos, de encargos y trabajos especiales de diseño o decorativos, me dedico exclusivamente a mi obra artística.

7. Hemos sabido que es un excelente roller, ¿tiene alguna relación mundo del rollerblading con su obra?

No hago referencias al mundo del rollerblading en mi obra artistica, me gusta separar una cosa de la otra, si bien ambos mundos han conformado mi persona tal y como es hoy. No obstante tengo la firme convicción de que el rollerblading es un arte en si mismo y así lo he expresado en anteriores entrevistas cuando me han preguntado por la misma cuestión pero desde el otro lado. Se trata de un deporte donde lo estético en la expresión corporal es un valor básico y donde la creatividad no conoce ningún tipo de limites. Cuando patinas, en mi opinion, la imaginación debe volar y vuela. Aquí es donde esta la conexión.

8. Exposiciones a destacar

En la actualidad participo junto con otros 29 artistas en una exposición itinerante titulada “Grafika, 30 artistas de la España joven”, la esposición trata de mostrar artistas nacidos en los años 70-80 enmarcados en la cultura del “hazlo tu mismo” y la referencia urbana y ha visitado ya ciudades como beirut, Amán, Sofía, Burdeos, Belgrado, Madrid y Zaragoza, organizada por Contemporanea y el instituto Cervantes. Esta exposición empezó su itinerancia a finales de 2010 y continuará a lo largo de todo 2012 por diferentes sedes del Instituto Cervantes.

9. Hablemos de su lugar de trabajo, ¿podría describírnoslo?

Mi casa es mi taller y mi taller es mi casa, así que suelo desayunar, comer y cenar siempre con un cuadro o escultura o lo que sea empezado delante mia.
Estoy constantemente rodeado de mi trabajo, en cada habitación de mi casa, por lo que me es imposible desconectarme de él estando allí. Normalmente trabajo en mi salón/taller que es donde mejor luz natural tengo, pero también tengo una pequeña habitación para trabajar en moldes, cortar madera, lijar y todas estas actividades más sucias. También me he construido recientemente en otra habitación un pequeño taller de serigrafía. En definitiva no tengo un sitio fijo y a la vez toda la casa es un sitio.

10. ¿Qué técnicas utiliza y cuál es su modo de trabajo?

Siempre trato de supeditar los materiales a la idea y aunque para cada técnica tengo más o menos un estilo definido cada obra es un mundo en sí. Por lo tanto normalmente tengo una idea, decido cual es el mejor medio para expresarla (dibujo, pintura, escultura, serigrafía) después me hago un croquis mental de como voy a relizarlo y en base a que objetivos y finalmente acabo a menudo improvisando, jaja. por esto la obra resultante suele diferir mucho de la idea principal al menos en lo formal, pero eso es lo genial del arte, ver como el propio trabajo te va guiando hacia sitios inesperados.

11. ¿Cuánto de autobiográfico tienen sus obras? ¿Alguna obra en especial con la que se sienta identificado?

No soy nadie para creerme un ser completamente objetivo asi que mi postura oficial es que mi trabajo es una traducción libre del Mundo a traves del filtro de mi persona. Oscilando de lo particular a lo general y de lo general a lo particular.
No hay realmente apuntes biograficos, si algo que me ha sucedido me incita a trabajar en algo siempre lo estudiaré de manera que al final lo lleve al terreno del “intento de universalidad”. Me gusta pensar que existe una conciencia universal capaz de entender la verdad que encierra una metafora más allá de la cultura y del tiempo y trato de hablarle a esa conciencia. Se podría decir que si algo resulta autobiográfico en mi obra, en absoluto me pertenece, puesto que todos en esencia vivimos las mismas angustias, frustraciones y desengaños inherentes al ser humano, o así lo creo yo.
No obstante y respondiendo a la segunda pregunta, no puedo más que sentirme identificado con todas y cada una de mis obras pues para mi son como mis hijos.

12. ¿Escucha música al trabajar? Si es así, ¿qué estilos o autores?

A veces sí, pero soy muy ecléctico y fluctuante, a veces trabajo con una película de fondo, dibujos animados o metido en internet y otras sintonizó radio 3 o pongo el itunes a funcionar donde suena desde reggae a rap pasando por casi cualquier estilo desde el hardmetal hasta electrónica.

13. ¿Algún proyecto en el que esté trabajando actualmente?

Actualmente estoy Trabajando en varias obras nuevas para una exposición en el centro de arte “ENDIVARTE” de Montilla (Córdoba). Será una gran muestra con más de 100 obras entre esculturas y pinturas mías y de mi colega Rafael Jurado, acompañadas audiovisualmente por una banda sonora compuesta por este y una serie de video-arte de la mano de mi también colega Jose Mateu.

La exposición titulada “10 años de SICKESTUDIO” sera una celebración de estos últimos 10 años de trabajo con lo mejor de lo mejor de nuestro repertorio. Puede visitarse desde el 12 de Mayo al 1 de Julio, pero hay probabilidades de que este algo más de tiempo.

Además pronto verá la luz el proyecto ART & PASS donde también participo, que es una curiosa iniciativa consistente en interpretar la obra de una artista que a su vez a interpretado la de uno anterior consiguiendo así una cadena de obras surgidas de una obra común. El proyecto incluye video-entrevistas con imágenes del proceso de producción de cada obra y se culminará con la exposición de las mismas.

14. Muchísimas gracias por acceder a esta entrevista, una última cuestión, ¿podría decirnos qué lugar del mundo considera que es hoy día el idóneo para que los jóvenes artistas puedan desarrollar su obra? ¿Por qué?

Es difícil de decir, ahora mismo puedo apreciar diferentes movimientos en el panorama artístico. A parte del raído mundo de las galerías clásicas de “gran arte contemporáneo”, por decirlo de alguna manera y no exento de ironía, en los últimos años estamos viendo el despegue de un submundo galerístico atraído por las tendencias de un arte más popular como el streetart, grafitti, lowbrow, pop-surrealismo, ilustración y todas estas tendencia no elitistas y más del “mundo real”.
En estados unidos y Alemania por ejemplo la acogida de este tipo de arte es impresionante dando lugar a infinidad de galerias dedicadas a él.
De todas formas La coyuntura internacional es muy complicada para todos y se me hace difícil contestar a esta pregunta.

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